Digital pirate
This artistic project is a story of recycling and reuse, sometimes at the limit of piracy, but with an intense poetic perspective.
It is built from documentary and photographic material, of which I am not the author and which does not contain, a priori, any plastic or even aesthetic intention.
The documents used are restitutions in the service of a memory of information, practical or playful, family or professional, public or private.
They can be photos of vacations or building sites, travel reports or visits to a place, more private or public moments, restitution of an event or a pure moment of chance since the eye of our smartphones authorizes us to collect images without reason and without limits. It is an inexhaustible resource, but it constitutes, on the artistic level, a neutral and perfectly malleable material.
The photos of construction sites, for example, come from the construction management team of an architectural firm that documents its weekly reports with dozens of shots.
At the end of a project, thousands of images are archived in voluminous files that will, most of the time, be forgotten forever, buried at the bottom of a server.
In this artistic project, the images are chosen for their capacity to serve as a support for a new story, without any direct link with their initial DNA.
They give up their content to be progressively carried towards another story, strange and mysterious, at the borders of abstraction.
The series thus constituted evoke more than they describe and prefer ambivalence to clarity.
It is around this floating and uncertain understanding that the visual corpus of this work is constituted.
The original documentary material, wherever it comes from, is used to finally converge towards the same objective: the perception of a blurred and uncertain reality where everyone can see and imagine freely.
Faced with a continuous flow of images, without filters, perfectly realistic and often very cash, this artistic proposal offers a poetic and calmed perspective, away from the urgencies and the daily life.
It specifically solicits the less realistic but also the most fertile confines of our imaginations.
low definition
High definition has become our new standard.
All our screens are now perfect. Our phones take sharper pictures than our old cameras. Even a GoPro quickly clipped on top of a helmet is capable of filming in HD…
Again, to go against the grain, I choose to work in low definition. I love rotten images, with grain and big pixels, those where you can’t see everything because the definition is too low. There is, in this digital mashed potato, an incitement to imagine, a real digital poetry, unfortunately not very good.
In low definition, no details to show.
It’s up to you to compose your own realities, contrary to an instagram posture where showing is telling, where seeing is understanding.
off-camera
The off-camera is a personal, intense and sincere passion. I have always been interested in what is not shown, nor easily shown. The off-screen/counter-field is well known in cinema but is not really a subject for artists who often prefer to concentrate their gaze and energy towards the subject, in the center of the image, the object of all the attention.
The off-screen is an open but totally neglected space, not meant to be shown because it is probably considered much more boring than the main one.
It becomes perfectly free.
This wasteland is my adventure ground.
with the others
This project is perhaps an alibi to provoke beautiful meetings.
To envisage an artistic work whose origin is not personal, to use the production of the others to exist oneself, it is initially a form of parasiting but it is also an opening and a sharing.
The idea of a collaboration where one provides the materials while the other builds is an architect’s idea and it speaks to me since I come from there. This old professional atavism invites me to think that a work is necessarily collective and collaborative.
I solicit here my close relations but also those who possess an iconographic heritage unexplored in the artistic field, to envisage collaborations and a shared work.
no fake
Images betray us. What we see is not what is.
We probably all agree on this dizzying diagnosis.
Some take it on board in a paranoid conspiracy mode, while others are content to put magazine covers or online news into perspective. I’m naturally part of this silent but vigilant majority.
Paradoxically, in the face of the raw, statusless images I use, which could easily be manipulated without anyone denouncing their tampering, I choose to respect my sources.
No manipulation or changes are made to the original images.
Nothing is removed or added.
The image is simply treated in the painter’s manner, cropped and then simply worked with a graphic palette, the old-fashioned way, using a brush.
moving images
This site presents a limited part of the research undertaken.
In the background, the site is open everywhere, simultaneously and in all kinds of environments. This vast digital wasteland forms a kind of uncertain biotope, where some things develop quite well while others struggle.
I call on AR’s arbitration to sift and select the pieces presented here.
There’s also a corpus-in-motion effect that doesn’t appear in these web pages but characterizes this work.
Most of the images are slightly but systematically modified each time I rediscover them and open the file again.
So they don’t exist in a stable way, but are constantly evolving.
In fact, it’s likely that the original files for some of the images presented on this site no longer exist in their original state.
In terms of communication, it’s a bit odd to show and promote something that doesn’t really exist any more, but from the point of view of artistic relativity, I find this device very lively and rather amusing.
What’s more, the « in progress » label affixed to certain series is an indication of a real process underway and still to come, in the face of a stock of raw images not yet fully exploited.
maxrolland lives and works in France.
The images presented are all in the same digital format, vertically, in 5315 pixels by 7087 pixels.
They are published in a limited edition of 5 copies, numbered and signed.
The edition formats are either DIN A1 / 594 mm-841 mm or DIN AO / 841 mm-1189 mm.
The A1 edition is more intense and clearly displays its photographic status.
The A0 edition reveals and assumes the low definition of the images.
It proposes a more abstract materiality, close to painting and further away from the standards of photography.
XL formats can also be considered for certain images.
The prints are made of an RGB print on art paper mounted behind a glossy acrylic glass and in front of a dibond.
An aluminum frame, placed behind the dibond, stiffens the whole and allows an easy hanging.
Le pirate numérique
Ce projet artistique est une histoire de recyclage et de réemploi, parfois à la limite du piratage, mais avec une intense perspective poétique.
Il se construit à partir d’un matériel documentaire et photographique, dont je ne suis pas l’auteur et qui ne contient, à priori, aucune intention plastique ou même esthétique.
Les documents utilisés sont des restitutions au service d’une mémoire d’informations, pratiques ou ludiques, familiales ou professionnelles, publiques ou privées.
Il peut s’agir de photos de vacances ou de chantiers, de reportages de voyages ou de visites d’un lieu, de moments plus privés ou carrément publics, de restitution d’un évènement où d’un pur moment de hasard puisque l’œil de nos smartphones nous autorise à récolter des images sans raisons et sans limites. C’est une ressource inépuisable, mais qui constitue, au plan artistique, un matériel neutre et parfaitement malléable.
Les photos de chantiers, par exemple, sont issues de la cellule direction de travaux d’une agence d’architecture qui documente ses comptes-rendus hebdomadaires avec des dizaines de clichés.
À la fin d’un projet, ce sont donc des milliers d’images qui sont archivées dans de volumineux dossiers qui seront, la plupart du temps, oubliées pour toujours, ensevelies au fond d’un serveur.
Dans ce projet artistique, les images sont choisies pour leur capacité à servir de support à une nouvelle histoire, sans lien direct avec leur ADN initial.
Elles abandonnent leur contenu pour être progressivement portées vers un autre récit, étrange et mystérieux, aux frontières de l’abstraction.
Les séries ainsi constituées évoquent plus qu’elles ne décrivent et préfèrent l’ambivalence à la clarté. C’est autour de ce flottement et de cette compréhension incertaine que le corpus visuel de ce travail se constitue.
La matière documentaire d’origine, d’où qu’elle soit issue, est utilisée pour converger finalement vers le même objectif : la perception d’une réalité brouillée et incertaine ou chacun peut voir et imaginer librement.
Face à un flot continu d’images, sans filtres, parfaitement réalistes et souvent très cash, cette proposition artistique offre une perspective poétique et apaisée, à l’écart des urgences et du quotidien.
Elle sollicite spécifiquement les confins les moins réalistes mais aussi les plus fertiles de nos imaginations.
basse définition
La haute définition est devenue notre nouveau standard.
Tous nos écrans sont maintenant parfaits. Nos téléphones prennent des photos plus précises que nos anciens appareils photo. Même une GoPro rapidement clippée au-dessus d’un casque est capable de filmer en HD…
Là encore et pour prendre nos habitudes à contre-courant, je choisis de travailler en basse définition. J’adore les images pourries, avec du grain et des gros pixels, celles où l’on ne voit pas tout parce que la définition est trop basse. Il y a, dans cette purée numérique, une incitation à imaginer, une vraie poésie digitale, malheureusement méconnue et méprisée.
En basse définition, pas de détails à montrer.
C’est à vous de composer vos propres réalités, à l’inverse d’une posture instagramée où montrer c’est dire, où voir c’est comprendre.
hors champs
Le hors champs est une passion personnelle, intense et sincère. Je me suis toujours intéressé à ce qui n’est pas montré, ni facilement montrable. Le hors-champ / contre-champ est bien connu au cinéma mais n’est pas vraiment un sujet pour les artistes qui préfèrent souvent concentrer leur regard et leur énergie vers le sujet, au centre de l’image, objet de toutes les attentions.
Le hors-champ est un espace ouvert mais totalement délaissé, pas destiné à être montré car considéré probablement bien plus ennuyeux que le principal.
Il devient donc parfaitement libre.
Cette friche est mon terrain d’aventure.
avec les autres
Ce projet est peut-être un alibi pour provoquer de belles rencontres.
Envisager un travail artistique dont l’origine n’est pas personnelle, utiliser la production des autres pour exister soi-même, c’est au départ une forme de parasitage mais c’est aussi une ouverture et un partage.
L’idée d’une collaboration ou l’un(e) fournit les matériaux tandis que l’autre construit est une idée d’architecte et ça me parle puisque je viens de là. Cet ancien atavisme professionnel m’invite à penser qu’une œuvre est forcément collective et collaborative.
Je sollicite ici mes proches mais au-delà, ceux qui possèdent un patrimoine iconographique inexploré dans le champ artistique, pour envisager des collaborations et une œuvre partagée.
no fake
Les images nous trahissent. Ce que l’on voit n’est pas ce qui est.
Nous sommes probablement tous d’accord et inquiets sur ce vertigineux diagnostic.
Certains l’intègrent sur un mode complotiste et paranoïaque tandis que d’autres se contentent de relativiser les couvertures de magazines ou les news en ligne. Je fais naturellement parti de cette majorité, silencieuse mais vigilante.
Paradoxalement, face aux images brutes et sans statut que j’utilise et qui pourraient largement être triturées sans que personne ne dénonce un trafiquage, je choisi de respecter mes sources.
Aucune manipulation ni changement n’est opéré sur les images d’origine.
Rien n’est enlevé, ni rajouté.
L’image est juste traitée à la manière du peintre, recadrée puis simplement travaillée avec une palette graphique, à l’ancienne et au pinceau.
images en mouvement
Ce site présente une partie limitée des recherches engagées.
En arrière-plan, le chantier est ouvert partout, simultanément et dans toutes sortes d’environnements. Cette vaste friche digitale forme une sorte de biotope incertain où des trucs de développent assez bien tandis que d’autres ont plus de mal.
Je sollicite l’arbitrage d’AR pour tamiser et sélectionner les pièces présentées ici.
Il y a aussi un effet corpus en mouvement qui n’apparait pas dans ces pages web mais qui caractérise ce travail.
La plupart des images sont légèrement mais systématiquement modifiées, chaque fois que je les redécouvre et que j’ouvre à nouveau le fichier.
Elles n’existent donc pas de manière stable mais évoluent en permanence.
Il est d’ailleurs probable que le fichier original d’un certain nombre d’images présentées sur ce site n’existe plus en l’état.
En termes de communication, c’est un peu curieux de montrer et de valoriser quelque chose qui n’existe plus vraiment mais du point de vue de la relativité artistique, je trouve ce dispositif très vivant et plutôt amusant.
Par ailleurs, le in progress apposé sur certaines séries est effectivement l’indication d’un vrai processus en cours et à venir, face à un stock d’images brutes pas encore totalement exploité.
maxrolland vit et travaille en France.
Les images présentées sont toutes au même format numérique, à la française, en 5315 pixels par 7087 pixels.
Elles sont éditées en tirage limité à 5 exemplaires, numérotés et signés.
Les formats d’édition sont au choix A1 / 594 mm-841 mm ou AO / 841 mm-1189 mm.
L’édition au format A1 est plus intense et affiche clairement son statut photographique.
L’édition au format A0 révèle et assume la basse définition des images.
Elle propose une matérialité plus abstraite, proche de la peinture et plus éloignée des standards de la photo.
Des formats XL peuvent aussi être envisagés sur certaines images.
Les tirages sont constitués d’un tirage RVB sur papier d’art marouflé derrière un verre acrylique brillant et devant un dibond.
Un châssis rentrant en aluminium, disposé à l’arrière du dibond, rigidifie l’ensemble et permet un accrochage simple.